「ap編集長の建築探索」は、23年の歴史ある建築ウェブメディア「アーキテクチャーフォト」の編集長である後藤連平が、訪問した建築を紹介する連載シリーズです。論考のようなかっちりとした形式ではなく、現地で感じた雰囲気や空気感が伝わるような“ライブ感”のある文体で綴ります。読者の皆様も自身が建築を体験するように読んでいただければ幸いです。

妹島和世建築設計事務所「すみだ北斎美術館」

　
妹島和世建築設計事務所による「すみだ北斎美術館」を訪問した。2016年に竣工した建築であるが、タイミングが合わず訪問できていなかったのだけれど、ついに訪問が叶った、、、！

地元の人たちが集まる公園と高架線路の挟まれていて、美術館としてはそれほど大きくない敷地に建っている。また、公園ではない三方には公道があり、全方位からアクセスがあるという条件。

雑誌やSNSの投稿などの写真で建物の様子はもちろん見ていて、アルミパネルで覆われた鈍いシルバーの外観と、そこにザクっと入るスリットの特徴的な造形が印象的で、こういう形態をつくりたかったのかな？と思っていたところもあった。

しかし、実際に訪問してみて、あらゆる所や、この建築での体験が、この場所にある建築として、美術館として、無意識に思う「こうだったら良いな」が、先回りして高度に実現されている感覚があって、本当に驚いた、、、、、！

「先回り」と書いたのは、説明が難しいのだけれど、例えば、iPhoneは、ユーザーインターフェースが、高度に人の動きや直感を考慮されていて、行動の先に回って全てが作られている。それ故に、使っている時がスムーズすぎて快楽すら感じてしまう側面があると思う。そのような感覚が、この建築では機能のみならず、こういう空間だったら良いなという感覚レベルでも実現されているというか。

フランク・ゲーリーの、アメリカ・ビバリーヒルズのガゴシアンでの展覧会「FRANK GEHRY」です。
2025年の逝去した建築家が手掛けた“彫刻”の展示です。魚を主題とした作品群は、一連の建築作品にも繰り返し現れる“波打つような輪郭”を表現。会場構成はゲーリー・スタジオが手掛ける。会期は、2026年6月27日まで。展覧会の公式ページはこちら。また、こちらの動画でも会場の様子を見ることが可能です。

こちらはリリーステキストです（翻訳：アーキテクチャーフォト / 原文は末尾に掲載）

ガゴシアンは、2025年の逝去後初となるフランク・ゲーリー作品展の開催を発表できることを嬉しく思います。本展は5月14日にビバリーヒルズのギャラリーで開幕し、アーティストの遺族との協力のもと実現され、ゲーリー・スタジオによって会場構成が手がけられました。展示される動物をテーマとした作品には、遺族所蔵の等身大彫刻「Bear with Us」(2014年)、ColorCore Formicaとシリコーンを素材として制作された「Untitled (Black Crocodile New York)」(2023年)、そしてゲーリーによる魚の彫刻シリーズとして最後に銅で制作された「Fish on Fire」(2023年)が含まれます。

「Bear with Us」は、その名が示すクマを輝く316Lステンレススチールで表現しており、磨き上げられた金属表面の複雑な起伏によって、しわくちゃにした金属箔のような外観を帯びています。（この彫刻は、アーティストが2023年にルイ・ヴィトンのためにデザインしたクラッチバッグの原型にもなりました）また、「A Pair of Snake Lamps」（1989年）では、ゲーリーはガッシュで彩色した張り子を用い、作品を発光させることで、その蛇のような形態を、装飾性と機能性を兼ね備えたオブジェへと変容させています。

高い評価を受けている魚の彫刻群は――そのうち数点が展示されていますが――それ自体で完結した作品である一方、それらが表現する太古の生物の「完璧なフォルム」は、ゲーリーの建築作品全体を通じて繰り返し現れており、そのことはロサンゼルスのウォルト・ディズニー・コンサートホール（2003年）やグッゲンハイム・アブダビ（今年開館）に見られる波打つような輪郭にも表れています。また本展では、黒い線の網目と色彩の雲によって魚の躍動的な動きを表現した、インク、水彩、アクリルによる紙作品10点も展示されます。

ファラが設計した、舞台美術「pendulo」です。
移民労働者を主題とした演劇の為に計画されました。建築家は、“意味を投影する存在”として、MDFや波板などの“ありふれた材料”を用いた“意図的に控えめ”な空間を考案しました。また、モジュール式として様々な劇場や制約への適用も可能にしています。

こちらは建築家によるテキストです（翻訳：アーキテクチャーフォト / 原文は末尾に掲載）

移民労働者は、自分たちを雇っている家族とどのような関係を持つのでしょうか？そして、彼らはその関係によってどのように形づくられるのでしょうか？他者の家庭の世話をするために自分の家を離れるとは、どのような意味を持つのでしょうか？そして、別のスケールでは、国家は受け入れる移民に対してどのような立場を取るのでしょうか？これらの問いがこのプロジェクトの枠組みとなります。舞台は、私的な関係とより広い社会構造とが一時的に重なり合う場となります。

舞台装置は、他のいかなる建築プロジェクトよりも必ずしもより虚構的であるとは限りません。その違いは、その直接性にあります。その壁は意図的に薄く、ほとんど仮設的であり、空間を収めるためというよりも、主として意味を投影するために存在しています。このデザインはモジュール式のシステムとして構想されており、さまざまな劇場や舞台、空間的な制約に適応することが可能です。その構成要素は意図的に控えめであり、MDFパネル、細い金属プロファイル、波板、そして塗料といった要素からなります。明快さと効率性をもって組み立てられたありふれた材料は、一時的な建築を形づくり、その目的は恒久性ではなく、ある状況を正確に演出することにあります。

ピーター・ズントーとSOMが設計した、アメリカの「デイヴィッド・ゲフィン・ギャラリーズ」です。
ロサンゼルス郡立美術館の新本館の計画です。建築家は、展示空間を約9m持ち上げ、地上レベルに劇場や店舗などがある“新たな屋外公共空間”も創出しました。また、水平に広がるギャラリーは文化や時代が異なる作品群のフラットな展示を可能にしています。施設の場所はこちら（Google Map）。

こちらはリリーステキストです（翻訳：アーキテクチャーフォト / 原文は末尾に掲載）

ピーター・ズントー設計によるLACMAの新しいデイヴィッド・ゲフィン・ギャラリーズが、4月19日（*2026年）にオープンします

ウィルシャー・ブールバードにまたがる彫刻的な建物は、世界的な美術コレクションに新たなヴィジョンを提供します

米国西部で最大かつ最も包括的な美術館として、物理的およびプログラム的な変革を20年にわたり経てきた後、ロサンゼルス郡立美術館（LACMA）は、4月19日（日）に新しいデイヴィッド・ゲフィン・ギャラリーズのリボンカッティングを祝います。著名な建築家ピーター・ズントーによって設計されたこの建物は、LACMAの常設コレクションの拠点であるとともに、現代世界においてグローバルな美術館がどのようなものであり得るかというヴィジョンとして創られました。

この建物の高く持ち上げられた展示レベルは、ロサンゼルスの広がりある眺望を提供すると同時に、その下に開放的な広場と新たな屋外公共空間を生み出します。この水平的な設計により、LACMAはすべての作品を単一のレベル上で提示することが可能となり、いかなる文化、伝統、または時代にも優先順位を与えることがありません。このインスタレーションにより、キュレーターは従来の分類に縛られることなく独創的で啓示的なつながりを生み出すことが可能となり、来館者はあらかじめ定められた動線から解放され、自らの好奇心に従って、多くの新しい作品に出会い、昔からのお気に入りの作品を新たな視点で見ることができます。

世界史6,000年にわたる15万5,000点の作品から成るLACMAのコレクションからの新しい作品は、今後も時間をかけて追加され続けるため、来館者はギャラリーズで常に何か新しいものを見ることが期待できます。

LACMAのCEO兼ウォリス・アネンバーグ・ディレクターであるマイケル・ゴーヴァン（Michael Govan）は、次のように述べました。「4月19日には、待望されてきたデイヴィッド・ゲフィン・ギャラリーズに最初の来館者を迎えることになります。比類なきピーター・ズントーによって設計されたこの常設コレクションの新たな拠点は、何千年にもわたる世界的な芸術交流を含み、今日ロサンゼルスに存在する多くの文化の伝統と革新を照らし出しています。私たちは、デイヴィッド・ゲフィン・ギャラリーズを築いた官民パートナーシップを推進した市民的および慈善的な指導者たち、この美しい建物を創り上げた建築家、そしてこれらの空間に命を吹き込んだ驚くべき仕事を成し遂げたキュレーターとアーティストに対して深い感謝の念をもって、近隣の人々および近くからも遠方からも訪れる来館者を歓迎します」